Con La mujer del obispo nos encontramos ante la que confluyen muchos elementos muy destacados de aquel cine de la época dorada de Hollywood. Lo primero que salta a la vista, un trío protagonista espectacular, con Cary Grant a la cabeza. Si necesitas dotar de carisma a uno de tus personajes principales, harías bien en buscar un guionista ocurrente, pero si, además, tienes a un actor como el británico, ya tienes gran parte del territorio conquistado. Cary Grant es un Dios que en este caso interpreta a un ángel.

Y eso que, en este caso, tenemos a un infrautilizado David Niven. No porque no tenga un buen papel, sino porque el también británico es un actor de múltiples registros con un enorme carisma. En este caso, interpreta a un obispo que se ha alejado de la gente sencilla por centrarse en la construcción de una faraónica catedral. Para esta empresa habrá de aliarse con una clase alta tan adinerada como caprichosa, lo cual no sólo establece un abismo entre sus antiguos feligreses, sino también entre el Obispo y su esposa, interpretada por una Loretta Young que también presenta una filmografía tan variada como notable (incluso duradera, que empezó siendo niña en 1917).

Y por si este reparto no fuera lo suficientemente llamativo, tenemos a Elsa Lanchester, que fue la enfermera de Charles Laughton en Testigo de cargo y su esposa en la vida real, además novia de Frankenstein en la película de ese título (donde también interpretó brevemente a Mary Shelley), y la niñera a la que sustituyó Mary Poppins. Y a Karolyn Grimes, que fue una de las hijas en el gran clásico navideño Qué bello es vivir, no siendo la única conexión entre ambas cintas, ni mucho menos, puesto que también aparece Bobbie Anderson, quien interpretó al personaje de James Stewart en su juventud.

Tenemos a un director eficaz como Henry Koster, que además de La túnica sagrada, dirigió la célebre El invisible Harvey, que entronca bastante con ésta por aunar comedia y un cierto toque sobrenatural. Koster fue un exiliado a EEUU que se acabó adaptando bastante bien, como ese magnífico guionista (y luego también director) que participó en la elaboración de alguna secuencia (y casi podríamos deducir cuáles). Estamos hablando del gran Billy Wilder, que en compañía de su entonces colaborador Charles Brackett participaron en el guión aunque no fueran acreditados.

Hablando del guión, está basado en una novela de Robert Nathan, que un año después vería cómo se adaptaba otra de sus obras incluso con mayor fortuna que en este caso. Estamos hablando de Retrato de Jennie, que cuenta con un cierto parecido a su “hermana”, y es también una película tan recomendable o más.

Y como guinda del pastel, tenemos también a Greg Toland, el magnífico director de fotografía de, por ejemplo, Ciudadano Kane. Realmente la película tiene en el sentido técnico una manufactura estupenda. Aparte de alguna que otra utilización de la luz (y la sombra) muy destacada, hay que decir que presenta una composición de planos bastante cuidada y con bastante intención en muchos casos. También el diseño de arte y el vestuario rayan a gran nivel. Una auténtica producción del viejo Hollywood.

Una película que, dentro de su bonhomía y comicidad, presenta un “triángulo amoroso” peculiar y un tanto controvertido, si se le quieren buscar las vueltas. Y se le deben buscar las vueltas, porque diría que no es, ni mucho menos, tan “blanca” como aparenta. Tiene motitas, como el pañuelo del señor Obispo que tan bien le queda a Cary Grant. Desde luego muchas más que el anecdótico remake que se realizó en los 90 titulado La mujer del predicador, protagonizado por Denzel Washington y Whitney Houston.

Título original The Bishop’s Wife  | Año 1947  | Duración 109 min.  | País Estados Unidos  | Dirección Henry Koster Guion Robert E. Sherwood, Leonardo Bercovici, Charles Brackett, Billy Wilder (Novela: Robert Nathan)  | Música Hugo Friedhofer  | Fotografía Gregg Toland (B&W)  | Reparto Cary Grant,  Loretta Young,  David Niven,  Monty Woolley,  James Gleason, Gladys Cooper,  Elsa Lanchester,  Sara Haden,  Karolyn Grimes,  Tito Vuolo, Regis Toomey,  Sarah Edwards,  Margaret McWade,  Anne O’Neal,  Ben Erway, Erville Alderson  | Productora The Samuel Goldwyn Company. Distribuida por RKO Radio Pictures

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Iniciamos con esta película una serie de posts que tienen como objetivo recomendar ciertas obras del séptimo arte relacionadas con la Navidad.  Así pues, podemos comenzar diciendo que De ilusión también se vive es sin duda uno de los clásicos fundamentales del cine navideño, quizá no tanto por ser una película superlativa, pero sí por la cantidad de referencias en otras obras posteriores, y el sinfín de parodias en las que se han utilizado elementos propios de ella. Tampoco se le puede negar que forma parte de una cierta mitología cinematográfica. La historia del hombre al que llevan a juicio por afirmar no sólo que Santa Claus existe, sino además, que es él mismo.

Fotograma de ilusión también se vive

Comparte De ilusión también se vive con el quizá clásico navideño por antonomasia Qué bello es vivir una cierta crítica social, mucho más leve en este caso que en la obra de Frank Capra, si bien en este caso el argumento no se decanta por el camino de lo “sobrenatural” de una manera tan clara como en el relato protagonizado por James Stewart. Tuvo tres remakes televisivos en los años 1955, 1959 y 1973, que sentaron en el banquillo de los acusados a Thomas Mitchell, Ed Wynn y Sebastian Cabot respectivamente. En 1994 el propio George Seaton participó en el último remake, con David Attenborough.

Para esta ocasión, Seaton contó con la intervención estelar de Maureen O’Hara en el papel de descreída encargada de la campaña de navidad de unos grandes almacenes. O’Hara, hija del mosquetero Athos, en esta ocasión en lugar de ser la madre de Mia Farrow lo fue de una Natalie Wood que ya mostraba enorme desparpajo entonces y cuya carrera es una muestra interesante de distintas etapas del cine de Hollywood.

El entrañable Edmund Gwenn realmente te convence de que es Santa Claus en un papel adorable que reencarna el espíritu de la Navidad y que contribuye a hacer de esta obra todo un clásico, por desgracia no lo suficientemente conocido.

Título original Miracle on 34th Street | Año 1947 | Duración 96 min. | País Estados Unidos | Dirección George Seaton | Guion George Seaton (Historia: Valentine Davies) | Música Cyril J. Mockridge | Fotografía Lloyd Ahern, Charles G. Clarke (B&W) | Reparto Maureen O’Hara,  John Payne,  Edmund Gwenn,  Gene Lockhart,  Natalie Wood, Porter Hall,  William Frawley,  Jerome Cowan,  Philip Tonge,  Mae Marsh,  Thelma Ritter | Productora 20th Century Fox | Género Comedia.

Cartel De ilusión también se vive

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Luego aparte tenemos leyendas, como esa fabulosa que nos dice que el actor es en realidad un vampiro nacido en 1870 que sobrevive alimentándose de víctimas con las que coincide en alguna de sus producciones (ver la imagen de arriba como prueba definitiva).  Pero sin duda nuestro apartado favorito es el de las aplicaciones nacidas para el cachondeo, la más curiosa esta que presentamos aquí, FakeApp. Una aplicación que mediante la utilización de un algoritmo informático permite remplazar la cara de una persona en un vídeo por otra, característica de la que los usuarios de Reddit no han tardado en  servirse para convertir la app en un generador de memes protagonizado por la cara de Nicolas Cage.

¿El resultado? Desconcertante dado el nivel de realismo que permite las encarnaciones de esta aplicación, que logra resultados tremendamente creíbles, aunque algo desconcertantes y hasta perturbadores, como esa captura de El hombre de acero (Zack Snyder, 2013) en la que suplanta a Amy Adams. Y es que sí, vemos a Cage, pero a la vez no es él. Es como una extraña sombra de sí mismo que protagoniza famosas películas que quizás hubieran dado un giro a su carrera como Indiana Jones En busca del Arca Perdida (Spielberg, 1981), tal y como podéis ver aquí:

A continuación podéis ver otros ejemplos de esta siniestra integración de la cara de Nicolas Cage en películas como El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008), Agente 007 contra el Dr. No (Terence Young, 1962) o Terminator 2 (James Cameron, 1991). ¡Disfrutad del video!

Por nuestra parte la verdad es que nos parece que esta tecnología, que está comenzando, puede plantear nuevos excitantes escenarios de creación  así como dilemas y problemas éticos en un futuro no tan lejano. Y es que si no lo habéis adivinado, más allá de este divertido uso de la cara de Nicolas Cage, no pocas personas en Reddit han utilizado FakeAPP para poner la cara de famosas en vídeos pornográficos. Lejos de estas intenciones, el creador de la aplicación, en declaraciones a Motherboard afirmó lo siguiente: “Eventualmente quiero mejorar la aplicación hasta el punto de que los usuarios puedan simplemente seleccionar un video de su ordenador, descargar la cara de una biblioteca pública y cambiar la cara del video por esta con tan sólo hacer un click». Lo cierto es que esta tecnología nace inspirada por esa que permitió hace un par de años recrear a una joven Carrie Fisher en el papel de la Princesa Leia en Rogue One: Una historia de Star Wars (Gareth Edwards, 2016). Ya veremos hacia dónde avanza todo…

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Por defenderme de posibles críticas simplemente añadiré que el orden es lo de menos, lo importante es leerlos.

1. On Film-making (Alexander Mackendrick)

Recientemente traducido a nuestra lengua. Toda una maravilla, probablemente el mejor libro que se ha escrito jamás sobre el cine, la obra esotérica de ese gran cineasta que es Mackendrick, los apuntes que utilizo una vez retirado de la industria para dar clases en el California institute of the Arts de Los Ángeles. Un análisis completo al medio, dividido en las dos especialidades que el británico tan bien dominaba, guión y dirección.

2. Así se hacen las películas (Sidney Lumet)

Todo un clásico. Escrito con una elegancia y una belleza sublimes. Una exposición desde dentro de la industria de uno de sus más afamados directores, narrado con una pasión que evidencia el amor profesado al celuloide por su autor. Esperen encontrar exactamente lo que describe su título, una exposición que presenta paso a paso el proceso mediante el cual se hace una película. Cargado de anécdotas, experiencias, y vivencias personales que enriquecen aún más su contenido.

3.Conquista de lo inútil (Werner Herzog)

«Con la desquiciada furia de un perro que ha incado los dientes en la pierna de un ciervo ya muerto y tira del animal caído hasta el extremo de que el cazador abandona todo intento de calmarlo, se apoderó de mí una visión: la imagen de un enorme barco de vapor en una montaña. » Palabras de un poeta, palabras de Herzog, uno de los más enigmáticos y magnéticos cineastas con vida. Estamos aquí ante el diario personal escrito en medio del Amazonas durante el tormentoso rodaje de esa obra maestra que es Fizcarraldo. Con una filosofía existencial que traspasa cada una de sus páginas: vivir por y para hacer películas.

4. El Cine según Hitchcock (Francois Truffaut)

Otro clásico de obligada presencia en todas las estanterías en las que los libros dedicados a este arte tienen representación. Una conversación entre dos genios, un largo discurso de análisis, fundamentación y exposición de los motivos y temas del Rey del suspense. El mago hablando de la construcción y el funcionamiento de sus trucos. Cinefília que se disfruta más si uno está familiarizado con la obra de Hitchcock, de lo contrario y a pesar de no perder el interés, sí es cierto que de manera inevitable rompe el misterio y la sorpresa de sus films.

5.Historia del Cine (Mark Cousins)

Obra que bien podría llevar el sobrenombre de Biblia del Séptimo Arte, la historia del cine más completa y profunda que jamás se haya escrito. Cousins juega a provocar constantemente, confiando en sus amplios conocimientos respecto a los del lector, oponiendo cinematografías y corrientes, y desmontando los prejuicios que contiene la visión occidental sobre este arte. Recientemente popularizada por la serie, también de Cousins,  Historia del Cine, una odisea, disponible en Filmin y de obligada visión si las más de quinientas páginas del libro son demasiado.

6.Mi último suspiro (Luis Buñuel)

El último aliento vital del que es el mejor cineasta que ha visto la península Ibérica. Autobiografía escrita con la ayuda de su amigo Jean-Claude Carrière, en la que Buñuel repasa con lirismo, belleza y ciertas pinceladas de nostalgia su extensa trayectoria. El texto sobrepasa lo meramente cinematográfico para asentarse en el universal del espíritu humano, es algo más que un repaso a una trayectoria, es una reflexión final, una terapéutica preparación para el fin. Las últimas palabras de un genio que murió un año después de la publicación del libro.

7. Moteros Tranquilos, toros salvajes (Peter Biskind)

Cargado de morbo y bien documentado, el libro narra con todo detalle el auge de la generación del Nuevo Hollywood, formada por entre otros Martin Scorsese, Francis F.Coppola o Steven Spielberg. Relato fragmentado en adictivos capítulos que repasan la última edad de oro del cine americano: las luchas de los jóvenes directores que acabarían cambiando la industria por mantener su voz contra el establisment, la creación de grandes películas como El Padrino o Taxi Driver, las mansiones con piscina, las grandes fiestas, el sexo, las drogas y el rock. Su escritor, Peter Biskind, escribiría años más tarde otro título igualmente interesante: Sexo, mentiras y Hollywood, crónica del auge del cine independiente.

8. This is Orson Welles (Peter Bogdanovich)

Desgraciadamente aún no traducido a nuestro idioma. El libro, al igual que ocurre con el mítico de Hitchcock, merece un lugar aquí por su encuentro entre dos cineastas de la talla de Welles y Bogdanovich. Más de trescientas páginas de entrevistas sucedidas a lo largo de los años conforman la mejor autobiografía del genio creador de Ciudadano Kane. Repaso de una vida, de una carrera cinematográfica que desgraciadamente y por imposiciones externas fue de más a menos, tristeza y nostalgia que se desprenden en forma de profundas reflexiones sobre el medio y la industria, sobre lo que podía haber sido y no fue.

9. Historia del Cine (Roman Gubern)

Reeditado recientemente. Probablemente el libro más completo que se ha escrito en nuestra lengua acerca de la historia del séptimo arte. Una extensa fuente de conocimiento a la que se le pueden poner el pero principal de que por momentos se transforma en una recopilación al uso, en una sucesión de nombres y fechas que no logra homogeneizar. A parte de ello, también puede molestar que la personalidad de Gubern se filtre en su sintáxis, dejando al aire libre ciertos pensamientos de corte pseudomachista, con poco sentido o explicación, como la manía de poner el La delante de los nombres femeninos, o ciertas descripciones de belleza gratuitas, del todo innecesarias con la historia del cine.

10. On Directing Film (David Mamet)

Tampoco traducido al español. Basado en clases impartidas por el propio Mamet en la Universidad de Columbia, la obra se expone como una lección magistral de storytelling, un breve y conciso manifiesto en el que el director marca las pautas principales a seguir para trasladar una historia del papel a la pantalla. Siempre directo, polémico, y con seguridad en sus palabras, Mamet expresa sus ideas acerca del medio con claridad y concisión en una obra que a pesar de tener un tinte más práctico se complementa a la perfección con Una profesión de putas y con su Manifiesto.

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